Gli scherzetti dei brand per Halloween 2018

Le migliori sorprese di Halloween 2018 da parte dei brand? Il doodle giocabile di Google, l’invito di Dunkin’ Donuts a vestirsi a tema ciambelle per vincere 1000 dollari e una fornitura di caffè per un anno, i terrificanti filtri per Snapchat di Fanta e la sua collezione di lattine in edizione limitata by Noma Bar, la nuova linea di prodotti Lush appositamente creata per l’occasione, lo spot di M&M’s in cui Red e Yellow si dicono felici di non essere stati mangiati, la lettura dei tarocchi su Snapchat e l’esperienza in realtà aumentata di Jägermeister, il panino verde di Burger King, lo spot di Dior con Bella Hadid. Ecco un paio di carrellate da spulciare: uno e due.


Le torte geometriche di Dinara Kasko

Le torte di Dinara Kasko sono bellissime e fanno anche venire l’acquolina. Date uno sguardo alla gallery Instagram della pasticcera ucraina che ha inventato nuove golosissime forme. E se avete ancora fame ecco anche le mirror marble cakes di Olga Noskova (qui) e le incredibili creazioni di Cedric Grolet (qui).


Interview to Daniel Lieske

Daniel Lieske is a german digital artist you should know. Take a look here.

Hi Daniel. Tell us something we can’t read in your biography, something that could have influenced your art: what you like, what music you listen, what books you read, and so on.
Well, I guess you could generally say that I’m enjoying artwork – paintings, music, movies, books – that have an impressionistic core. I love the films of Ridley Scott for his play with light and I listen to a lot of classic music, especially from Debussy, Ravel and Vaughan Williams. I read H.P. Lovecraft and among my favorite painters are Frank Frazetta, John Berkey and Alphonse Mucha. I think that all these artists have found a way to let the audience feel an impression of their world views. And these views are never precise, always shrouded by shadows or blinding light, sunken in a vail of smoke and haze and they always retain a quality of mystery. I’m striving for these qualities myself and it’s very hard to find the right balance.

What about your art education? Where have you studied? Do you think you can learn more from studying or practicing?
I’m not educated at all. I’ve learned everything by experimenting and by simply doing. I’m drawing since I’m a little boy and I constantly tried to get better at it. Drawing is the core of all visual art and from and if you can draw, you can do everything else. I’ve also always been fascinated by computers and the things you can do with them. I started with the very first graphic programs that emerged on computers like the Atari ST or the Commodore Amiga and I followed the development ever since. If you’re starting with computer graphics today you must be overwhelmed by all the possibilities. It helps a lot to have watched the evolution of all the techniques. On the other hand it might be helpful to not know where things came from. It prevents you from thinking in old fashioned categories.

There is something you didn’t do yet and you would like to do?
I’m currently doing what I want to do the most. But this is not to say that I wouldn’t enjoy to try other things, too. If I weren’t doing visual art I would probably compose music. That’s my second strongest interest.

In the second chapter of your Wormworld Saga the narrator says “I often contemplate the enigmatic qualities of art. I’ve been drawing my whole life, but I don’t think I’ve ever fully understood how it works.”. This is an autobiographical consideration? Do you think art is enigmatic, even for an artist?
Art is a twisted thing because my feeling is that the more you learn about it, the less you know. That’s what I try to express with the lines you quoted. I will never again be such a good artist as I have been as a kid because back then I created everything without any goals in mind. My drawings might not have looked good but they came to life for me easily. As an adult you can’t fight the urge to give meaning to everything. I’m a pedant and I’m very analytic. I try to understand the world through logic and this sometimes gives me a hard time when I’m working with colors and compositions. I have to admit to myself that my best work emerges when my conscience is muted down. I often come to a point where I see the result of a painting session and can’t explain to myself how it came together. That sometimes can drive me crazy.

Does it happen to you to have no inspiration? If does, what do you do?
It often happens that I have little inspiration to do the work that I’m SUPPOSED to do at that specific moment. In the past I’ve tried to push myself through these creative lows with very mediocre results. Over the years I’ve learned that inspiration fails me if I don’t know enough about my subject. For example, if I’m supposed to write a dialog between two characters and I don’t feel inspired to write it I turn towards the characters themselves and try to define them better. And then creativity is often coming back and I come up with all these details about the characters and that way I get them to know better. And normally, when I’ve got really close to the characters I can feel an urge to write the dialog that I wasn’t able to write before. Creative block often is a signal that something is standing in your way. Taking a step aside and finding another path is my strategy.

Do you read comics? What cartoonists do you like?
I don’t read a lot of comics. As a kid I read “Asterix” and as a teenager “Akira”. I also like to read “Hellboy” but only the books that Mignola illustrated himself. His visual language for me is the strongest part of his work and for me his writing doesn’t work quite as well with other artists. Apart from that I’m not reading a lot of comics.

Do you ever use traditional tools like paper, paint and brushes?
I occasionally draw with pencil on paper on conventions or to create originals for sale. But for my published work I prefer to work digitally as this gives me all possibilities and saves a lot of time.

Tell us how you create every new chapter of your graphic novel Wormworld. Do you write a script, or screenplay, first? I said “screenplay” because I think that your work has a cinematographic approach, am I wrong?
I normally don’t write the chapter in text form. I create a sort of storyboard in which I fill in the texts. Storytelling is a very visual thing for me and I just can’t separate the visuals from the text. I’m editing the texts inside the storyboard, often changing, adding or removing panels, and if everything works I begin to illustrate the different panels.

How many people are collaborating to create Wormworld Saga? How long is, for example, the creation of a single chapter?
I’m writing and illustrating the German edition of the story. Then there’s two people who help me with the English translation, two people who are working on the Spanish translation and the French translation is handled by a friend. It takes about 4 months to complete one chapter of the Wormworld Saga. As soon as it is published, there is also a growing group of fans from all over the world working on additional translations. And there’s a volunteer layout assistant who helps to layout all these translations.

The last question is one that no-one has asked you but that you would like to be asked. What is it? And thank you for your time.
That’s really tough. I guess I generally would love to talk more about the actual story of the Wormworld Saga. However, I realize that the story isn’t advanced far enough to justify deeper discussions about it. But that’s part of my motivation. I really want to finish my story so that people will be able to talk about it. I’m looking forward to that!

October 2013

Intervista a Daniel Lieske

L’illustratore tedesco Daniel Lieske ha iniziato la sua carriera artistica molto presto, vendendo i suoi primi fumetti nel cortile della scuola, come lui stesso scrive sul suo sito. Da bambino amava giocare nei boschi e arrampicarsi sugli alberi, ed è cresciuto con Star Wars, i Muppets, Indiana Jones e i Goonies. E tutto questo ha in qualche modo influenzato la sua visione del mondo e di conseguenza il suo modo di disegnare. Lavoro che, tra l’altro, svolge completamente in digitale.

Ciao Daniel. Parlaci di te, dicci qualcosa che non abbiamo letto nella tua biografia, qualcosa che potrebbe aver influenzato la tua arte: cosa ti piace, che musica ascolti, che libri leggi, e così via.
Be’, immagino che si possa dire in generale che mi piacciono le opere artistiche – dipinti, musica, film, libri – che abbiano un’anima impressionista. Amo i film di Ridley Scott per come gioca con la luce e ascolto un sacco di musica classica, specialmente Debussy, Ravel e Vaughan Williams. Leggo H.P. Lovecraft e tra i miei pittori preferiti ci sono Frank Frazetta, John Berkey e Alphonse Mucha. Penso che tutti questi artisti abbiano trovato un modo per far sì che il pubblico possa avere un’impressione della loro visione del mondo. E queste visioni non sono mai precise, sono sempre velate da ombre o luci accecanti, sommerse da un velo di fumo e foschia e conservano sempre una valenza di mistero. Io stesso cerco queste qualità ed è molto dura trovare il giusto equilibrio.

Dicci della tua formazione artistica. Dove hai studiato? Pensi che si possa imparare di più dallo studio o dalla pratica?
Non ho una formazione. Ho imparato tutto sperimentando e semplicemente facendo. Disegno da quando ero bambino e ho costantemente cercato di migliorare. Disegnare è il cuore di qualunque arte visiva e se sai disegnare puoi fare qualsiasi altra cosa. Sono sempre stato affascinato anche dai computer e dalle cose che si possono fare con essi. Ho iniziato con i primissimi programmi di grafica che apparivano su computer come l’Atari ST o il Commodore Amiga e ho seguito lo sviluppo da allora. Se inizi con la computer grafica oggi vieni sopraffatto dalle possibilità. Aiuta molto aver assistito all’evoluzione di tutte le tecniche. D’altra parte potrebbe essere d’aiuto non sapere da dove le cose provengono. Ti eviterebbe di ragionare secondo categorie antiquate.

C’è qualcosa che ancora non hai fatto e che ti piacerebbe fare?
Attualmente sto facendo quello che più voglio fare. Ma questo non vuol dire che non mi piacerebbe provare anche altre cose. Se non mi occupassi di arte visiva probabilmente comporrei musica. È il mio secondo grande interesse.

Nel secondo capitolo della tua Wormworld Saga il narratore dice: “Spesso rifletto su quel mistero che è l’arte. Ho passato una vita a disegnare, ma non credo di aver mai esattamente capito come funziona.”. È una riflessione autobiografica? Pensi che l’arte sia enigmatica, anche per un artista?
L’arte è una cosa contorta, perché la mia sensazione è che più ne apprendi e meno sai. È questo che tentavo di esprimere con le righe che hai citato. Non sarò mai più un bravo artista come lo ero quando ero bambino perché allora creavo tutto senza alcun obiettivo in mente. Forse i miei disegni non erano belli ma prendevano vita facilmente. Da adulto non puoi combattere l’impulso di dare un significato a qualunque cosa. Io sono pedante e molto analitico. Cerco di comprendere il mondo con la logica e questo a volte mi rende la vita difficile quando sto lavorando con i colori e le composizioni. Devo ammettere che il mio lavoro migliore viene fuori quando la mia coscienza viene zittita. Spesso arrivo ad un punto in cui vedo il risultato di una sessione di pittura e non riesco a spiegarmi come sia nato. Questo a volte può farmi impazzire.

Ti succede di non avere ispirazione? Se sì, che cosa fai?
Mi succede spesso di avere poca ispirazione per fare il lavoro che si SUPPONE io debba fare in un preciso momento. In passato provavo a superare questi stalli creativi con risultati molto mediocri. Negli anni ho imparato che l’ispirazione viene a mancare se non conosco abbastanza il soggetto. Per esempio se devo scrivere un dialogo tra due personaggi e non mi sento ispirato a scriverlo mi concentro sui personaggi e cerco di definirli meglio. E allora la creatività spesso ritorna e creo tutti questi dettagli riguardo i personaggi e in questo modo riesco a conoscerli meglio. E normalmente quando mi avvicino molto ai personaggi trovo la spinta per scrivere il dialogo che non ero in grado di scrivere prima. Il blocco creativo spesso è un segnale che qualcosa si è messo sul tuo percorso. Spostarsi e trovare un’altra strada è la mia strategia.

Leggi i fumetti? Quali fumettisti ti piacciono?
Non leggo molti fumetti. Da bambino leggevo “Asterix” e quand’ero teenager “Akira”. Mi piace anche leggere “Hellboy” ma solo i volumi illustrati dallo stesso Mignola. Il suo linguaggio visivo è secondo me la parte più forte del suo lavoro e il suo modo di scrivere non funziona così bene con altri illustratori. A parte questo non leggo molti fumetti.

Usi mai gli strumenti tradizionali come carta, pittura e pennelli?
Di tanto in tanto disegno a matita su carta a qualche incontro o per creare opere autentiche destinate alla vendita. Ma per quanto riguarda i lavori che pubblico preferisco lavorare in digitale, perché questo mi dà molte possibilità e mi fa risparmiare un sacco di tempo.

Raccontaci come crei ogni nuovo capitolo della tua graphic novel Wormworls. Scrivi una sceneggiatura, o un copione, prima? Ho detto “copione” perché penso che il tuo lavoro abbia un approccio cinematografico, sbaglio?
Normalmente non scrivo il capitolo sotto forma di testo. Creo una sorta di storyboard nella quale inserisco i testi. Lo storytelling, il raccontare una storia, è una cosa molto visiva per me e semplicemente non riesco a separare i visuals dal testo. Edito i testi dentro la storyboard, spesso cambiando, aggiungendo o rimuovendo vignette, e se tutto funziona inizio a illustrare le varie vignette.

Quante persone collaborano alla creazione di Wormworld Saga? Quanto serve ad esempio per creare un singolo capitolo?
Io scrivo e illustro la versione tedesca della storia. Poi ci sono due persone che mi aiutano con la traduzione inglese, due persone che lavorano alla traduzione spagnola, mentre la traduzione francese è curata da un amico. Ci vogliono circa 4 mesi per completare un capitolo di Wormworld Saga. Non appena viene pubblicata un crescente gruppo di fans da tutto il mondo lavora alle altre traduzioni. E c’è un assistente volontario al layout che aiuta a sistemare il layout di queste traduzioni.

L’ultima domanda è quella che non ti hanno mai fatto ma che ti piacerebbe ti facessero. Qual è? E grazie per il tuo tempo.
Questa è molto difficile. In generale credo che mi piacerebbe parlare di più della vera storia di Wormworld Saga. Ad ogni modo capisco che la storia non si è ancora sviluppata abbastanza per giustificare una discussione approfondita. Ma questo fa parte delle mie motivazioni. Voglio davvero finire la mia storia così che le persone potranno parlarne. Non vedo l’ora!

Ottobre 2013

Un vulcano dentro una Fiat Tipo

Obiettivo: pubblicizzare un’auto dentro un cinema e dimostrare quanto è grande lo spazio di carico. Soluzione: costruire un piccolo set cinematografico d’avventura nel bagagliaio, con montagne, elicotteri, coccodrilli e  persino un vulcano! Ecco l’ambient di Fiat Tipo. Facile, no?


ePRICE non ti fa pensare ai Mondiali

Soffrite ogni volta che sentite parlare di mondiali di calcio, per via dell’assenza della nostra nazionale? Censurare tutti i contenuti web a riguardo potrebbe già essere una soluzione!
Questa la simpatica trovata del sito ePRICE, che ha creato un’estensione in grado di rimpiazzare banner, articoli e quant’altro con simpatici gattini o distrazioni di vario genere.

Intervista a Gianluca Maruotti

Ammiro da sempre le persone che sanno creare meravigliose opere con le proprie mani, che siano artigiani, pittori, scultori o qualsiasi altra cosa. Se anche voi la pensate come me, godetevi questa nostra nuova, bellissima intervista a Gianluca Maruotti (sito), illustratore, puppet maker e animatore, maestro nel modellare la plastilina (e la cera dei formaggini, a quanto pare! 🙂).

Ciao Gianluca. Come prima cosa raccontaci chi sei. Dove ti sei formato, qual è stato il tuo percorso artistico e di cosa ti occupi oggi?
Mi occupo di poche cose. Principalmente combatto contro la pigrizia con risultati alterni.
Nei giorni in cui ho la meglio sono un illustratore, un animatore, un puppet maker, un character designer. Poi sono anche un papà, un marito, un lettore di fumetti.
Cerco di occuparmi di queste poche cose al meglio e qualcuna di queste mi riesce discretamente bene, ma nessuna tanto bene quanto vorrei.
Per formarmi come illustratore ho studiato un anno in Inghilterra e poi ho frequentato una scuola di illustrazione a Roma. Mentre come animatore sono quasi completamente autodidatta e devo ancora imparare molto.
Lavoro da quindici anni nel mio studio nel cuore di Roma, a Trastevere.

Parlaci un po’ meglio del tuo lavoro. So che negli ultimi anni stai lavorando più come animatore che come illustratore. Come nasce e come viene portata avanti un’idea? In particolare dicci qualcosa di più sul lungo processo di realizzazione di un video in stop motion.
Si, ultimamente mi dedico soprattutto alla realizzazione di animazioni con la tecnica dello stop-motion, utilizzando sia carta (cutout animation) che plastilina (claymation).
E’ decisamente un processo molto lungo. Tutto comincia con un’idea, uno spunto, un soggetto. Il tutto viene messo su carta con bozzetti e storyboard. Successivamente si crea un animatic, il quale non è altro che uno storyboard animato. Una volta chiarite le idee su cosa fare si procede alla produzione vera e propria creando tutti i set, i personaggi e gli elementi che saranno poi animati. Quindi si passa all’animazione. La stop-motion animation in particolare richiede pazienza e assoluta concentrazione. Personalmente in media riesco a realizzare non più di 15 secondi di animazione al giorno, ma a volte decisamente meno, dipende molto dalla complessità del lavoro. L’ultima fase è quella della post produzione, quando si aggiustano eventualmente i colori e si inseriscono i suoni e la musica.
Nella stop motion il processo è importante quanto il risultato tanto più perché il risultato svela il processo. È una tecnica molto artigianale e la mano dell’animatore è molto visibile perché ogni singolo fotogramma viene scolpito e modellato a mano.
Estremamente complicato è quindi nascondere le imperfezioni e suppongo non abbia nessun senso cercare di farlo. Al contrario, molto del fascino che questa tecnica ancora suscita è dovuto alla sua matericità e al suo aspetto artigianale.

Quanto è difficile farsi strada nel mondo dell’animazione nel nostro paese? Trovare spazio e farsi conoscere è complicato oppure chi ha talento e chi merita riesce a emergere e a far valere le proprie capacità?
Non saprei dire con precisione, conosco pochissimo il mondo dell’animazione in Italia. Ho il sospetto che sia un pianeta non proprio esteso e indubbiamente poco abitato.
Nell’ambito della stop-motion ci sono alcune realtà medio piccole che fanno cose molto valide ma non sono al corrente dell’esistenza di grandi produzioni. Farsi spazio quindi è decisamente complicato ma confido nel fatto che tutto sommato la qualità venga quasi sempre riconosciuta.
La buona notizia è che non credo sia indispensabile trovare spazio necessariamente nel nostro paese. Oggi l’arte è globale e utilizzando la rete si può far conoscere il proprio lavoro ovunque.

Immagino che essere un puppet maker lavorando la plastilina significhi anche essere un bravo scultore e decoratore. Le abilità manuali, e direi artigianali, che un lavoro del genere richiede sono qualcosa che si acquisisce e si affina col tempo e con l’esperienza?
Per scolpire e ‘riprodurre’ un puppet le abilità artigianali e la confidenza con la materia sono importanti. In aggiunta non possono assolutamente mancare una forte impronta estetica personale ed una notevole dose di immaginazione, soprattutto quando si deve ‘creare’ un puppet e idearlo.
Personalmente ho un approccio più da illustratore che da scultore. Non ho mai studiato scultura e quando ho cominciato non possedevo particolari capacità tecniche. Per fortuna le abilità manuali si acquisiscono con l’esperienza. In più la plastilina è un materiale duttilissimo, molto semplice da lavorare; infatti a differenza del legno, marmo e altro, oltre che modificarne la forma si può sia togliere che aggiungere materia.
Come in tutte le arti (e non solo le arti) l’applicazione e l’esperienza sono ingredienti essenziali. Fondamentale è quindi la passione, che serve da motore. Il talento è solamente utile a rendere il percorso più semplice.
In breve credo che il talento senza passione non produca granché, la passione senza talento qualcosa di bello la può creare. Se poi si è dotati sia di talento che di passione, tanto meglio.

Parlaci dell’opera a cui sei più affezionato, animazione o illustrazione che sia.
Sicuramente un’animazione dal titolo ‘Paper Plane’. E’ un video musicale in cutout animation per l’eccezionale artista, musicista, amico Massimo Giangrande.
I disegni sono stati realizzati da Felicita Sala mentre io mi sono occupato della regia e dell’animazione. È stato difficile creare il tutto in poco più di due mesi, ma era primavera e in primavera tutto è possibile.

Ci puoi anticipare qualcosa riguardo i tuoi progetti futuri?
In questi giorni sto lavorando ad una piccola animazione. Si chiamerà ‘Free to roam’ e anche questa sarà un video musicale. Un lavoro realizzato dando vita a bassorilievi scolpiti interamente in plastilina. Se tutto va come prevedo (quasi mai succede) dovrei riuscire a portarlo a termine prima dell’estate.

L’ultima domanda è quella che non ti hanno mai fatto ma che ti piacerebbe ti facessero. Qual è? E grazie per il tuo tempo.
Generalmente preferisco le domande alle risposte (questo spiega la fatica con la quale ho risposto a queste domande).
Mi piacciono molto i quesiti esistenziali, o quelli la cui risposta non è poi così importante.
Nessuno mi ha mai chiesto perché quando disegno un volto comincio sempre dal naso. Suppongo non sia molto interessante.
Ad ogni modo non ho una risposta.